Mis trucos al mezclar

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En esta ocasión, en vez de escribir un “como se hizo” del nuevo disco, “I’m a standing stone” , voy a recoger en este blog algunos trucos, o mejor dicho, ideas y apuntes sobre como mezclar un tema. A medida que se me ocurran mas notas iré ampliando este artículo.

Partimos de la base de que vamos a grabar varios instrumentos en diferentes pistas y que luego queremos mezclarlos.

En primer lugar, hay que tener presente que la mezcla no empieza cuando ya está todo grabado, nos sentamos en una mesa de mezclas y nos ponemos a mover rueditas y faders arriba y abajo. La mezcla comienza en la propia grabación. ¿Por qué a veces cogemos un disco antiguo de Led Zeppelín o los Beatles y resulta que las mezclas suenan tan bien? Si en los años 50 y los años 60 solo tenían 4 pistas para grabar! Precisamente por esto, cada vez que llenaban 4 pistas de una grabadora, las tenían que volcar en una pista de otra maquina para poder disponer de nuevo de pistas libres. A esto se le llamaba “4 to 4” y al ir volcando pistas las mezclas se iban haciendo sobre la marcha mientras se grababa.

Nosotros al grabar podemos aplicar una filosofía parecida pero más amplia; hoy en día disponemos de pistas casi infinitas y no necesitamos hacer volcados pero lo que si podemos hacer es intentar ajustar el sonido de lo que vamos grabando para que vaya encajando con lo que ya tenemos grabado. Es decir, en vez de simplemente grabar una guitarra eléctrica como mejor suena ella sola, intentar ajustar el ecualizador del ampli para que esa guitarra suene bien encajada en lo que hemos grabado. Cortar un poco los graves en la mesa para que no se pegue con el bajo, trabajarse la colocación del micro, dar algo de compresión si esta claro que va a hacer falta.

Trabajando con material insuficiente

Cuando uno se graba a si mismo, es más difícil conseguir sonidos perfectamente encajados y en ocasiones hay que moverse de la sala de control a la cabina donde esta la mesa, o a lo mejor estas grabándote en el salón de tu casa (esto se ha vuelto muy común con la proliferación de los home-studios) y te tienes que levantar a donde tengas los monitores, el ordenador o lo que sea. En esta situación tiendo a usar ecualizadores de previos y mesa lo menos posible y a no comprimir mucho salvo que sepa perfectamente que después voy a necesitar esa compresión y más.

La excepción es el bajo y el bombo de la batería si después los vamos a comprimir con un plugin porque todavía no he encontrado plugin capaz de domar un bajo que está descompensado. En este disco he usado un Electro Harmonix Black Finger para comprimir el bajo y las guitarras limpias sin distorsión. Otro ejemplo son los trémolos de las guitarras, que son prácticamente imposibles de lograr con un efecto colocado en la mesa así que los saco siempre del ampli al grabar. Igualmente, si voy a usar una puerta de ruido para las voces o para matar el hum de las guitarras lo hago en la grabación.

I'm a standing stone

Aquí cabe otra reflexión; en los home-studios y en los pequeños estudios comerciales, rara vez vamos a encontrar todo el equipo deseable como para realizar una grabación perfecta. Es muy probable que no siempre dispongamos del bajo perfectamente compensado, de los modelos de amplis exactos para sacar tal sonido distorsionado, de los previos adecuados para grabar las voces, de los mejores micros, de una sala con la acústica perfectamente acondicionada, etc… El hecho es que cuanto peor nos quede la grabación, más complicada y más difícil va a ser la mezcla y cuanto peor esté la mezcla, peor va a quedar el master final. Por lo tanto, es más sensato fijarse objetivos alcanzables y no imposibles.

Una ayuda en la mezcla es colocar en una pista un tema ya mezclado o un tema comercial que tenga una buena ecualización y equilibrio tonal que nos sirva de referencia. Cuando se ecualiza es muy fácil perder el norte ya que el oído se acostumbra rápidamente a los cambios de ecualización. Teniendo a mano un tema bien equilibrado podemos escucharlo y recuperar el sentido correcto del oído.

La mezcla hay que empezarla por algún sitio. Es habitual leer que los ingenieros famosos van rápidamente a las voces o construyen una pequeña base con algunas pistas y pasan enseguida a las voces. El motivo es lógico; la parte más importante de un tema suele ser la voz y por lo tanto lo más práctico es conseguir un buen sonido en las voces y después construir la mezcla alrededor de esas voces de forma que las realce o vista adecuadamente y podamos cortar todo aquello que las pise. En mi caso siempre empiezo la mezcla por el bajo y el bombo, sigo por la batería y paso a las voces. Sin embargo últimamente intento pasar a las voces lo antes posible, tras añadir la caja al bajo y al bombo.

La cadena de efectos

La cadena de efectos que suelo aplicar a una pista suele ser por este orden; corte de frecuencias High/low pass, compresor, ecualizador, delay (si lo hay), reverb y después el resto de efectos si son necesarios; filtros varios como flangers, distorsiones, etc.

El corte de frecuencias High/low pass, lo aplico en casi todas las pistas y lo ajusto moviendo la rueda hasta que notas que el sonido comienza a estar afectado. En el caso del bombo y los bajos, suelo pegar un corte entorno a los 35-40hz porque en mi genero musical no se usan los sub-graves y luego el compresor actua mejor. Por la parte superior un bajo no suele tener nada por encima de los 8khz. Los amplis de guitarra no suelen tener mas que ruido por encima de los 4khz y los leslies de los Hammonds nada por encima de los 6khz.

El compresor lo suelo poner delante del ecualizador casi siempre porque cuando comprimes una pista, la ecualización se puede ver afectada; por ejemplo si das ganancia puede que resalten frecuencias que antes no estaban tan presentes. El tiempo de ataque es clave. Si dejas ataques largos en todas las pistas, los instrumentos van a tener más pegada y cuando estás sentado en una SSL es muy tentador dejar el botón de ataque en slow pero en mi opinión, no siempre se puede dar un ataque lento a todo. Por ejemplo, al arreglar el bajo con el bombo, últimamente estoy dando ataques lentos al bombo pero rápidos al bajo. La norma dice que cuanto más lento el ataque del bajo más pegada pero yo prefiero dejar la pegada al bombo y que el bajo vaya muy controlado. Otro ejemplo de esto son las voces con los coros; a la voz principal puede que le vaya mejor un ataque más lento pero a los coros, dobles, etc… puede que mejor un ataque rápido para dejar la pegada a la voz principal.

El control de release del compresor es muy útil para matar colas de timbales y otras percusiones. Para ajustar todos estos controles es importante olvidarse de los indicadores y usar el oido. Esta es una regla a tener en cuenta durante todo el proceso de mezcla.

Otra idea al comprimir es enviar varias pistas a un buss y dar compresión a todas ellas juntas. A esto se le conoce como compresión de buss y es muy util con instrumentos como la batería, ya que se consigue unas percusiones más compactas y se recupera headroom o con las voces para darles más presencia.

Como ecualizar

I'm a standing stone

La música actual está comprimida en exceso y en muchas ocasiones incluso nos podríamos haber ahorrado el compresor en alguna pista pero lo que nunca nos podremos ahorrar será el ecualizador. El ecualizador, en mi opinión es el elemento más importante en una mezcla y el aparato fundamental que hay que saber manejar. Puedes mezclar sin compresor, sin reverb, sin delays… pero es rara la situación en la que te sobre el ecualizador. Yo suelo ecualizar 4-5 bandas en todas las pistas. Aquí hay que hacer otro apunte; en la era analógica había ecualizadores como el mítico Pultec del que se decía que solo con encenderlo y sin hacer ningún ajuste, la pista ya mejoraba sola. Sea como fuere, con un ecualizador digital o un plugin esto no suele ser así, más bien lo contrario; cuando se da ganancia en alguna banda el resultado suele dejar que desear. Por ello es mejor usar el ecualizador como una cuchilla suiza para cortar todo lo que sobra y añadir lo menos posible. No siempre será posible pero es algo a tener en cuenta también.

Para localizar puntos en los que hacer ajustes, las tablas de frecuencias no suelen valer para nada. Yo empleo una técnica que se llama “barrido de frecuencias” y que consiste en exagerar una banda dando por ejemplo 10-12 decibelios con una curva estrecha, de 2 o menor aunque esto depende del ecualizador y “barrer” desde los 0hz a los 20khz escuchando y fijandome en que es lo que peor suena, que es lo que tapa a otras pistas… y cuando lo encontramos lo cortamos. Es decir, que no solo buscamos y ecualizamos “lo que suena mal” en una pista aislada sino lo que suena mal en relación con otras pistas. Hay una regla que dice que nunca hay que cortar o dar más de 6db a ninguna pista y esta es una regla que conviene saltarse en el mundo digital y sobre todo en el caso de los cortes. En el caso de los plugins aun más; ecualizadores que no cortan, compresores que no comprimen bajos…

Desde el punto de vista de la ecualización, las pistas tienen una zona de graves, una zona de medios-bajos, una zona de claridad y una zona de brillo en torno a los 10khz. Desde esta perspectiva, además de pisarse unas a otras en ciertas zonas, a las pistas les pueden sobrar graves, no estar muy claras y sobre todo, no hay que olvidarse de ajustar las zonas de brillo. A veces sobran pero otras veces es mejor tirar arriba entorno a los 10khz que dar por el medio porque al final casi todas las pistas tienen demasiado entorno a los 2khz y quedan muy mediosas.

Reverb con delay

Después de comprimir y ecualizar una pista suelo darle reverb. Un reverb colocado en un buss y desde hay hacemos envios a todas las pistas. Con el reverb situamos más adelante y más atrás las pistas. Cuanto menos reverb más adelante quedan y cuanto más reverb más atrás. El reverb junto a los panorámicos son las principales herramientas para situar los instrumentos espacialmente. Hay quien gusta de usar dos reverbs distintos en cada pista. Mi forma de emplear el reverb es usando la menor cantidad posible; vas añadiendo reverb a una pista y cuando se empieza a hacer notable hechas un poco para hacía atrás el fader del envío.

En vez de dos reverbs suelo combinar el reverb con delays para dar profundidad en ciertas pistas. El tiempo del delay lo calculo a oído poniendo un delay en la caja de la batería y ajustándolo hasta que suene un delay justo en medio de golpe y golpe de caja. Por ejemplo, el ajuste para que salga un delay en medio puede ser 440ms. Anotamos ese numero y nos servirá no solo para ajustar todos los delays, sino otras cosas como por ejemplo el pre-delay del reverb o la cola del reverb. Podemos cuadrarlos usando múltiplos de ese número. Poniendo un delay delante del reverb conseguimos más profundidad, por ejemplo podemos simular el golpe del sonido en la pared trasera de un escenario usando un delay muy rápido en la caja.

El papel de la distorsión en la mezcla

Al mezclar, un concepto importante es el papel que juega la distorsión en pistas donde no es tan obvio que tenga que haberla. Todo el mundo sabe que las guitarras llevan distorsión pero hay veces en que el sonido de ciertas pistas es tan limpio que no encajan o suenan raras dentro de la mezcla. Yo a las baterías les doy distorsión. A los bajos les doy distorsión y las voces también les doy distorsión. No hablo de una distorsión exagerada que se note, sino de una distorsión sutil, algo tipo overdrive pero sutil. En el caso de las baterías las mando a un buss agrupadas donde doy distorsión y compresión de buss. En el caso del bajo la uso si no he conseguido ya distorsión con el compresor. Con las voces lo mismo que con las baterías, las mando a un buss y les doy distorsión. Si el Hammond no ha quedado lo suficientemente sucio le doy también distorsión y esto es aplicable a cualquier pista que crea que lo necesite. En “I’m a standing stone” no he usado ni un solo excitador de armónicos, solo distorsión. En ocasiones los excitadores de armónicos hacen precisamente esto mismo, excitar frecuencias añadiendo una distorsión muy sutil. En otras ocasiones no sirven más que para darte cuenta de que la ecualización de la pista se puede mejorar.

Otra cosa que no he usado en “I’m a standing stone” es el famoso autotune, que se supone que sirve para corregir la entonación de las voces pero que al final acaba sonando como si hubieras puesto un vocoder hortero. En este disco, en vez de usar autotune, he usado voces dobladas. Pero antes de eso, cuando al cantar no he entonado bien en la voz principal lo que he hecho es pinchar en los fallos y volver a grabar. Una toma, dos tomas… Elvis Presley hizo más de 300 tomas para cuadrar “If I can dream”. Antiguamente, cuando no existía autotune, para corregir los fallos de entonación se usaban algunos trucos. Por ejemplo poner un efecto de chorus en la voz para disimular el fallo o grabar dobles. Doblar la voz es volver a cantar exactamente lo mismo una o dos veces más y montarlo todo junto. Esta técnica la usaba Johnn Lennon que lo doblaba absolutamente todo. Aun teniendo la voz principal perfecta, se suele hacer comúnmente en los estribillos; la voz principal en el centro y dos dobles, uno a cada lado abriendo los panorámicos para llenarlos más. Pues bien, ¿por qué no usar autotune? Puer un buen motivo; al tener pistas dobles que a veces no van perfectamente entonadas la una con la otra no solo se consigue sensación de naturalidad, sino una especie de efecto chorus natural que llena más un estribillo. Además, es raro que los desafines se produzcan justo en el mismo sitio en todas las pistas, así que la una tira de la otra. Estamos hablando de pequeños fallos, no de desafines notorios, ya que entonces lo mejor es pinchar y regrabar.

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